Über einen Zeitraum von acht Jahren begleitet der Regisseur die trans Jugendliche Karla im mexikanischen Städtchen Tepoztlán. Die Kamera wird Zeugin von Karlas Entwicklung, von den ersten Schritten der Transition bis hin zu ihrem Erwachsenwerden. In einer Umgebung, in der traditionelle Werte und die Realität einer queeren Identität immer wieder aufeinandertreffen, finden Karla und der Filmemacher in Gesprächen zueinander, die von Offenheit, Empathie und gegenseitigem Vertrauen geprägt sind. Dabei entstehen intime Porträts ihrer Freundschaft, aber auch authentische Einblicke in Karlas Hoffnungen, Zweifel und ihre Suche nach Akzeptanz. Der Film taucht tief ein in die alltäglichen Herausforderungen und Freuden, die das Leben als trans Jugendliche auf dem Land mit sich bringt, von familiären Beziehungen über Freundschaften bis hin zu gesellschaftlichen Erwartungen. Zugleich eröffnet Kani Lapuerta eine filmische Welt, in der sich dokumentarische Beobachtungen und imaginative Sequenzen durchdringen, sodass Grenzen zwischen Realität und Fantasie verschwimmen.

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Vollstandig aus Archivmaterial bestehend, ist DO YOU LOVE ME ein Liebesbrief an Beirut, der 70 Jahre Film, Fernsehen, Heimvideos und Fotografie umfasst und die kollektive Psyche der Libanesen erforscht, die von Freude und Intimität, Zerstörung und Verlust geprägt ist. Durch die Augen von Bürgern, Filmemachern und Künstlern rekonstruiert der Film eine fragmentierte Geschichte in einem Land ohne nationales Archiv und feiert den kreativen Ausdruck als Widerstand, Erneuerung und Möglichkeit, Erinnerungen zu bewahren. Er stützt sich auf über 100 Werke des unabhängigen libanesischen Kinos sowie auf unzählige Heimvideos, Fotos, Podcasts, Musik und andere Medien.

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In ganz Europa erstarken rechte und konservative Strömungen. Auch Deutschland sieht sich mit dem großen Erfolg einer rechtspopulistischen Partei konfrontiert, die in mehreren Bundesländern als gesichert rechtsextrem eingestuft wird. Während sich in den links-geprägten Großstädten Protest formiert und sich schnell viele Menschen zusammenfinden, steht die Demokratiearbeit in anderen Regionen vor eigenen Herausforderungen. Gerade in den ländlichen Gebieten des Ostens von Deutschland müssen Akteure und AktivistInnen, die sich gegen rechts engagieren immer wieder mit Gegenwind in den sozialen Netzwerken und auf der Straße umgehen. Das geht von Beleidigungen und Anfeindungen bis hin zu tätlichen Angriffen und Morddrohungen „Nazis raus ruft es sich leichter, dort wo es keine Nazis gibt“ sang einmal die Chemnitzer Band Kraftklub. Doch wie leicht ruft es sich „Nazis raus“, dort wo sie tatsächlich auftauchen?

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Während der Nahe Osten erneut im Zentrum globaler Konflikte steht, erzählt „Immortals“ von einer jungen Generation, die für Selbstbestimmung, Würde, Feminismus und ihre Zukunft kämpft. Der vielfach ausgezeichnete Dokumentarfilm lief unter anderem bei CPH:DOX, Hot Docs, dem Locarno Filmfestival und DOK.fest München und wurde mit dem Prix de Soleure sowie als Bester Dokumentarfilm beim Raindance Filmfestival ausgezeichnet. Nach Jahren von Krieg, Besatzung und politischer Gewalt begleitet „Immortals“ zwei junge Menschen in Bagdad im Nachhall der „Oktober-Revolution“ von 2019: Milo, eine mutige Feministin, die sich als Mann ausgibt, um sich Freiräume zu erkämpfen, und Khalili, einen Filmemacher, der die Proteste mit seiner Kamera dokumentiert. Zwischen Hoffnung und Repression werden sie zu den Stimmen einer neuen Generation, die für Freiheit, Selbstbestimmung und feministische Perspektiven kämpft – und für das Recht, die eigene Zukunft selbst zu gestalten.

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Ana lebt in São Paulo, ist jung, schön, reich, unverheiratet und schwanger. Ihre Familie hat sie verstoßen und nun ist sie auf sich allein gestellt. Zur Hilfe stellt sie Clara an, die sie im täglichen Haushalt und als Amme unterstützen soll. Zwischen den beiden entwickelt sich eine enge Beziehung, die bald in eine leidenschaftliche Romanze übergeht. Langsam bemerkt Clara, dass irgendetwas mit Ana und dem ungeboren Kind nicht stimmt. Jeden Vollmond zieht sie schlafwandelnd durch die Stadt. Nach einer schicksalshaften Geburt ist Clar ganz allein mit Anas speziellem Baby. Clara tut alles was sie kann, um es gegen seine Bestimmung zu schützen, doch je älter es wird, desto stärker wird der Ruf des Mondes. Die stilisierten Sets, das fesselnde Licht und muskalische Intermezzi machen Good Manners zu einem untypischen Horrorfilm – ein Fest für Auge und Ohr. Darunterliegende Themen wie Mutterschaft oder die Klassengesellschaft in Brasilien unterfüttern den Film auf ungezwungene Art und Weise.

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Trauerfeiern sind naturgemäß selten eine angenehme Angelegenheit. Für die junge Studentin Danielle hat das allerdings nicht die üblichen Gründe. Weder der Tod einer ihr ohnehin kaum bekannten Person, noch der verlogene bis desinteressierte Smalltalk der Trauergäste sind ihr Problem. Doch dann erscheint überraschend ihr heimlicher „sugar daddy“ samt Frau und Kind, was eine Reihe unangenehmer und unglaublich komischer Situationen auslöst, zumal auch ihre Ex-Freundin der trauerfeier beiwohnt. Durch die drohende Gefahr, dass ihr heimlicher Nebenverdienst mit Sexdienstleistungen auffliegt, gerät Danielle in eine Reihe unangenehm-skurriler Situationen. Danielle, die doch nicht ohne Familie und Gemeinschaft leben kann, sind dabei die Sympathien des Publikums sicher. Shiva Baby, das Regie-Debüt von Emma Seligman, bewegt sich gekonnt zwischen familiären Spannungen, religiösen Traditionen und dem Wunsch nach sexueller Unabhängigkeit. »Alles in allem keine weltbewegenden Ereignisse, aber jeder Satz und jedes Bild sitzt.“ Auch inhaltlich soll der Film überzeugen: „Jede kleine Geste, jede abgebrochene Bemerkung, jeder panische Blick erzählt von einer Gesellschaft, in der Frauen allzeit vermessen und beurteilt, infrage gestellt und gedemütigt werden.« Anke sterneborg, SZ »„Beiläufig, aber detailgetreu integriert Seligman Themen wie Judentum, Familie und Bisexualität (obwohl Danielles Eltern in sämtlichen Bereichen offener reagieren als viele andere ihrer Generation) und lässt ihre Heldin konsequent am Rande des Zusammenbruchs balancieren.« Jenni Zylka, taz (Text: Die Linse)

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Für Jahrzehnte war das Bild der „deux solitudes“ ein umstrittenes und dennoch populäres Motiv in der Selbstbetrachtung der kanadischen Gesellschaft: „Zwei Einsamkeiten“ beschrieb dabei nicht nur das (Nicht)-Verhältnis zwischen dem frankophonen Québec und den anglophonen Provinzen des Landes, sondern vermittelte willkürlich auch eine diffuse Vorstellung von zwei in sich geschlossenen, kulturell, sozial und ethnisch weitgehend homogenen Entitäten.

Doch ab Ende des 20. Jahrhunderts wurden zunehmend andere, neue Selbstbilder sichtbarer, die dieser monolithischen, noch von der kolonialen Gründungsgeschichte Kanadas geprägten Weltsicht widersprachen. Vormals marginalisierte Stimmen verschafften sich nicht nur politisch Gehör, sie artikulierten sich ausdruckstark in Literatur, bildender Kunst und insbesondere im Kino. Heute berichten Filmerzählungen von den oft traumatischen Erfahrungen der indigenen Bevölkerung ebenso wie von der aktuellen Lebenswirklichkeit von Migrant:innen im historischen Einwanderungsland Kanada; sie schildern den Alltag queerer Menschen, das Ringen um Emanzipation und Wahrnehmung in komplexen sozialen Strukturen und die Identitätssuche vermeintlicher Außenseiter. Das macht das zeitgenössische Cinéma Québecois und seine Filmschaffenden so vielfältig und vielstimmig wie die Gesellschaft, aus der er es kommt und deren Realität seine Filme reflektieren. Unter dem Titel „La Face de la diversité“ widmet sich die zweite Retrospektive Rendez-vous Québec dieser künstlerischen Vielfalt mit einer Auswahl herausragender Filme aus den letzten drei Jahren sowie moderner Klassiker des Cinema Québecois. Die Themen und Genres sind dabei so divers wie die Persönlichkeiten vor und hinter der Kamera, was die Filme indes verbindet, ist ihr mitreißendes Plädoyer an das Publikum, sich selbst neue Perspektiven zu eröffnen, die unsere gemeinsame Welt reicher machen.

Die Filme im Überblick:

Di 26. Mai 2026 • 18:00 Uhr: C.R.A.Z.Y. – Verrücktes Leben

Di 23. Juni 2026 • 18:00 Uhr: Kurzfilme von Caroline Monnet

Di 28. Juli 2026 • 18:00 Uhr: Falcon Lake

Di 25. August 2026 • 18:00 Uhr: Paul

Di 22. September 2026 • 18:00 Uhr: Universal Language

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»Unterhaltsam, entlarvend, aufklärend – „Born to Fake“ ist als Dokumentarfilm auf mehreren Ebenen erfolgreich und gerade deswegen so grandios.« (film-rezension.de) // » Die Doku „Born to Fake“ arbeitet diesen spektakulären Fall lückenlos und mit großer Liebe zum Detail auf.« (programmkino.de) // »Der Dokumentarfilm bleibt auch im Zeitalter von KI hochaktuell und zeigt auf unterhaltsame Weise die Gefahren von Falschinformationen in den Medien.« (spielfilm.de) // »« () // »« () //

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Vom 30. November bis 2. Dezember 1978 fand sich im „Entermedia Theatre“ im New Yorker East Village unter dem Titel „Nova Convention“ die Konklave der US-amerikanischen Gegenkultur ein, um ihrem Papst William S. Burroughs zu huldigen. Im Publikum: Beatniks, Hippies und Punks friedlich vereint. Auf der Bühne: Lesungen, Performances, Konzerte und Podiumsdiskussionen. Mit dabei: Eine Klarinette spielende Patti Smith; Frank Zappa, der aus "Naked Lunch" rezitiert; ein orgelnder Philip Glass, der für Keith Richards einspringen muss und dafür ausgebuht wird; John Cage, der James Joyce verfremdet; Laurie Anderson, die elektronische Musik pioniert ... -Das Staraufgebot ist derart groß, dass am Eingang angeschlagen steht, wer NICHT da ist. Über ein Vierteljahrhundert lang galt das grobkörnige 16mm-Filmmaterial über die "Nova Convention" als verschollen, bis es in einem aufwändigen, 12 Jahre dauernden Prozess, wiederentdeckt und restauriert wurde. Die Tonspur fand man beim damals erst am Anfang seiner Filmkarriere stehenden Jim Jarmusch, der hier auch vor der Kamera zu sehen ist. Angereichert mit Aufnahmen aus der „Punk Ära“ des damals bankrotten, aber hippen New York, ist NOVA ‘78ein sehenswertes Zeitporträt, das uns aus heutiger Sicht beneidenswert quicklebendig vorkommt.

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»Ein packendes Sozialdrama im Niedriglohnsektor, das sich beklemmend real anfühlt und mit einer fantastischen Hauptdarstellerin aufwartet.« (filmstarts.de) // »Ich kann Ihren Unmut verstehen wurde mit Laiendarsteller*innen gedreht, vor allem die so beherzt und immer wieder verzweifelt auftretende Sabine Thalau ist eine Entdeckung. Die Kamera ist ihr dicht auf den Fersen, will sie und ihr aus nahezu sämtlichen Nationalitäten bestehendes Umfeld nicht objektivieren, sondern ihr Erleben eines ausbeuterischen Alltags am Rand der Erschöpfung nachfühlen lassen.« (goethe.de) // »Ähnlich wie die großen Vorbilder lässt aber auch Kilian Armando Friedrich sein sehenswertes Debüt mit einem Funken Hoffnung enden, deutet an, dass sich die Dinge doch ändern könnten, wenn es den Arbeitern gelingen würde, ihre Animositäten zu überwinden und zusammenzuarbeiten.« (programmkino.de) // »absolut sehenswert« (tagesspiegel.de) //

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